Noche americana

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Textos curatoriales

Texto de la exposición Noche americana, de Beto Gutiérrez. Galería Carmen Araujo, Las Mercedes, Caracas, agosto de 2019.

Las pupilas reaccionan a la luz: se contraen en condiciones de mucha luminosidad y se dilatan en la oscuridad. Como la apertura del diafragma de una cámara, la milimétrica variación del diámetro de la pupila regula el paso de luz al interior del ojo. Este reflejo, no obstante, no solo depende de estímulos reales. Investigaciones recientes lo han detectado en el marco de estudios neuropsicológicos con imágenes mentales.[1]

Las pupilas también aumentan su tamaño, así parece, por efecto de pensamientos sobre la oscuridad y la lejanía. ¿Fue esto lo que experimentaron los más de cuatro millones de venezolanos migrantes durante los apagones eléctricos de marzo y abril de 2019? ¿Es posible pensar en cuerpos, dentro y fuera del país, reaccionando simultáneamente, adaptándose a inéditas y simbólicas condiciones de oscuridad?

Beto Gutiérrez (Venezuela, 1978) vive en Buenos Aires desde 2011. Este no es un dato biográfico menor, da cuenta del lugar desde donde percibe la crisis generalizada que el país atraviesa. Condicionada por los medios de comunicación y por relatos familiares, su visión entraña un inevitable distanciamiento. Aunque emplea la fotografía, un medio privilegiado para el abordaje de coyunturas políticas, Gutiérrez propone un lenguaje alejado del estilo documental tradicional. Interpreta la crisis en sus propios términos estéticos y autorales. En sus imágenes, el comentario político no es explícito, tiene un sentido velado, camuflado, que no se revela con urgencia, pero que toma al espectador por asalto.

La migración conlleva una reconceptualización de todo, de la identidad, de las relaciones con los demás, con el territorio. En este sentido, nueve años después de su creación, la primera obra en exposición adquiere un nuevo significado. Así como para los que están lejos, durante los apagones, los afectos desaparecen, no importa cuán insistentemente se busquen en la pantalla del celular, el funcionamiento de La familia (2010) depende del suministro de energía eléctrica. Esta ha probado ser una obra resistente. Ha adquirido distintas resoluciones formales, desde la impresión en papel, enmarcada y colgada en la pared, hasta el fotolibro. Sin embargo, aquí regresa a su formato original: una instalación con portarretrato digital que permite el paso de 80 fotografías.

La examinación obsesiva del andamiaje que frágilmente sostiene los portarretratos de los parientes del artista, despojados de todo sentimentalismo y presentados nada más que como objetos frente a un fondo blanco, constituye un potente gesto cuestionador de la familia y del retrato familiar como formatos tradicionalmente establecidos.

La segunda obra en sala es Noche americana (Day for Night) (2019). La expresión da nombre a una técnica cinematográfica que permite, a través de la subexposición de la película y el uso de un filtro azul, el rodaje, durante el día, de escenas que parecen nocturnas. Traduce un fenómeno retiniano, la pérdida de sensibilidad para largas longitudes de onda durante situaciones de oscuridad, al lenguaje audiovisual. Sometidas a una versión digital de esta técnica, las fotos panorámicas que componen la serie forman parte del archivo visual y de la memoria personal de Gutiérrez. Muestran puntos clave de la ciudad de Caracas, como Parque Central, la Torre de David, el Helicoide y, por supuesto, El Ávila, todos sumergidos en una falsa noche. Como propuesta, se inscribe tanto en la tradición paisajista del arte venezolano como en la tendencia de constatar el fracaso del proceso de modernización del país, manifestado en la crisis eléctrica misma y en los indicadores de pobreza y desigualdad presentes en muchas de las vistas.

La responsabilidad por la crisis de los apagones ha sido evadida mediante la cansada estrategia comunicacional de una guerra imperial, ahora de variable eléctrica, que demanda que se acepte como verdad lo que no es más que una evidente simulación mediática. La obra de Gutiérrez apunta al desmontaje de esta película, aislando el plano de la secuencia y difiriendo el efecto de realidad a favor de dejar al descubierto los límites del dispositivo.

La reflexión en torno al aparato perceptivo concluye con el tercer proyecto incluido en la exposición, Fotofobia (2010). Esta vez, las pupilas no solo se contraen, las miradas se esquivan del todo, incapaces de soportar el exceso de luz. Gutiérrez emplea el retrato, género que ha desarrollado durante dos décadas, con el propósito de situar al espectador en esta época de cegadora sobreproducción de contenidos visuales. Para ello, fotografía a personas albinas, quienes padecen una relativa intolerancia a la luz y quienes han sido, es importante decirlo, objeto de discriminación e, incluso, violencia. De gran escala e impresos en papel metalizado para favorecer el brillo, los retratos de esta serie constituyen algunas de las imágenes más conocidas del artista, siempre interesado en la exploración del cuerpo y el cuestionamiento de los cánones.

En palabras de Giorgio Agamben, “… el contemporáneo es aquel que percibe la oscuridad de su tiempo como algo que le concierne y no deja de interpelarlo, algo que, más que toda la luz, se dirige directamente a él”.[2] Como todo migrante, el distanciamiento de Gutiérrez es relativo. Convocado por la urgencia de la crisis, se suma al grupo de artistas nacionales —raros, llenos de coraje, diría el filósofo— que han entrenado sus pupilas para ver en la oscuridad, a la espera de mejores, más luminosos tiempos.

Referencias
[1] Según estudios de Bruno Laeng y Unni Sulutvedt, investigadores de la Universidad de Oslo.
[2] AGAMBEN, Giorgio, ¿Qué es ser contemporáneo?, Desnudez, Buenos Aires, Adriana Hidalgo, 2011, p. 22.

The Author

autor, investigador y docente de temas vinculados con la fotografía y el pensamiento contemporáneo. buenos aires, argentina. buzon.jpg@gmail.com

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